#MeToo contra el mundo del arte

El movimiento #MeToo, contra el acoso y la agresión sexual, que desde octubre de 2017 ha invitado a mujeres a contar sus experiencias con misóginos y así alzar la voz en defensa de la mujer, ha alcanzado al mundo del arte. La ciudad de Nueva York no es solo lugar de protestas a favor del movimiento, sino que también es lugar de residencia de muchas obras de arte, incluida Thérèse Dreaming del artista Balthasar Klossowski, conocido como Balthus.  El Met (Museo Metropolitano de Arte) ha recibido un sinfín de peticiones en las que se súplica que remuevan la obra debido a lo sugerente de ésta.

De acuerdo con las personas que han enviado sus peticiones, el museo está promoviendo la cosificación de las jóvenes y enalteciendo el comportamiento misógino. Por su parte, el museo se rehúsa a remover la obra (sugiriendo que ésto sea considerado un tema para la reflexión y el debate), lo cual únicamente ha generado mayor controversia.

Personalmente (y completamente de acuerdo con la postura del Met), no creo que se deba quitar la obra del lugar en dónde está expuesta, ya que hacerlo no tendría un impacto en la educación de las personas (lo que considero necesario para evitar la misoginia y el acoso). Debemos recordar que una obra no se debe descontextualizar y con ello tergiversar el mensaje o la intención del artista, sino que se debe apreciar en el ambiente en la que fue creada. 

Si el Met cede ante esta petición se desencadenarán peticiones por todo el mundo, y los museoso se verán forzados a quitar también obras de Goya, Picasso, Matisse...¡vamos, que muchos se quedarían sin obras que exhibir!

Exposición Rojo Mexicano. Últimos días

Exposición Rojo Mexicano. Últimos días


Les recomiendo visiten la exposición Rojo Mexicano. La grana cochinilla en el arte. Estará hasta el 4 de febrero en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Esta exposición tiene como hilo conductor a la cochinilla mexicana, un insecto que crece en una variedad de nopal y que produce un colorante rojo con cualidades tintóreas únicas.

La exposición recorre la historia del uso de dicho colorante mexicano desde su aparición en los códices mesoamericanos, hasta su difusión por Europa desde 1530 hasta finales del siglo XIX, a través de cuadros de artistas como el Tintoretto, Villalpando, Correa, el Greco, Rubens, Rembrandt, Turner, Renoir, Gauguin y Van Gogh, quienes utilizaron la grana cochinilla en algunas de sus obras.

La joya de la exposición es el cuadro La recámara de Van Gogh en Arlés de 1889. Al final de la exposición se pueden tomar foto en la reconstrucción de dicho cuadro, como la que me tomé ayer.

No se la pierdan! Quedan pocos días...


De Goethe, un fragmento sobre el arte

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Me topé con un fragmento de "Las desventuras del joven Werther", novela de Goethe escrita en 1774, que me recordó la clase pasada, en la que hablamos sobre el canon o reglas en el arte de determinada época. En oposición, respecto a la exageración que buscamos en el arte, este personaje que es un joven dibujante, reflexiona de esta forma sobre atender simplemente a la naturaleza: 


"La primera vez que la casualidad me llevó a este sitio era una tarde magnífica; encontré el lugar solo porque todo el vecindario estaba en el campo y sólo vi a un niño, como de cuatro años, que sentado en el suelo sostenía en sus piernas a otro niño de meses, sentado también, al que pegaba a su pecho con los brazos. A pesar de la vivacidad que brillaba en sus ojos negros, estaba muy quieto. Esta vista me encantó; me senté sobre un arado frente a ellos, tomé mis lápices y empecé a dibujar este cuadro fraternal con indescriptible placer; agregué un seto, la puerta de una granja, una rueda rota de carro y algunos otros aperos de labranza mezclados entre sí con poca claridad. Después de una hora encontré que había hecho un dibujo bien entendido, un cuadro muy interesante, sin haberlo pensado ni haber puesto nada de mi parte. Esto me confirmó en mi propósito de no atenerme más que a la naturaleza misma, porque ella sola es la que tiene riquezas inagotables y la que forma los verdaderos y grandes artistas. Mucho puede decirse a favor de las reglas y preceptos del arte, y más o menos lo mismo que puede decirse para alabar las leyes sociales. Un hombre que se conforma y atiene a ellas con rigor no produce nunca nada carente de sentido o positivamente malo, lo mismo que aquel que se conduce con arreglo a las leyes y a lo que exigen las conveniencias sociales no será nunca un mal vecino ni un insigne malvado; pero tampoco producirá nada notable, porque sin importar lo que se diga, toda regla, todo precepto, es una especie de traba que sofocará el sentimiento real de la naturaleza, hará estéril el verdadero genio y le quitará su verdadera expresión. Me dirás que tiene esto mucha fuerza. Pues bien, yo te diré que lo que hace la regla es podar las ramas chuponas, impedir que crezcan y se expandan".

¿Una crítica al "arte moderno" de la época?

Arte....Y religioso....

Seguramente es arte, y es donde siempre presiento algo...pero siempre se queda en eso...

Es como esas viejas casas de provincia de techos altos y muros gruesos, entras y te sientes extraño y luego hay un foco que cuelga del techo, el cable del que lo hace es largo y delgado y la luz que emana de él es amarilla.

No está obscuro... pero no se ve bien...

http://ecva.org/exhibition/Telling_God_Stories/exhibit01-KCS01.html
A continuación, comparto algunas fotografías de mi reciente visita al Nasher Sculpture Center en Dallas.  Para ser sincera  la experiencia al enfrentarme con ciertas obras del arte contemporáneo, no fue muy grata, no estoy segura si en realidad logre en algún momento llegar a comprender el por qué de este tipo de obras, sobre todo cuando se cobra por verlas dentro de un museo.







Diálogo de Apuki y Mordecai a propósito de la alienación

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Imagen tomada de: http://unespacioparapensaryopinardifer.blogspot.mx/2010/05/que-imaginacion-tengo-de-mi-como_20.html




Cuando los personajes de un guion también leen los textos de clase, puede ocurrir una rebelión como esta:

Mordecai: Apuki, estamos alienados.
Apuki: Lo dijo Hegel y Marx.
Mordecai: Sí, y Fabiola es un monstruo.
Apuki: ¿De qué hablas?
Mordecai: Siguiendo las reflexiones de Eco, camuflamos nuestras rendiciones y ella nos manipula a través del guion, "haciéndonos advertir como agradable una relación que, en cambio, nos disminuye y nos hace esclavos".
Apuki: Todo mundo está alienado de alguna forma.
Mordecai: Pero justo ahora nos manipula y hace que el mundo crea que somos conscientes de nuestra alienación, y aun así, nos coloca en dos bandos. Yo la acuso y tú pareces defenderla.
Apuki: ¡Oh, vamos! Mordecai estás exagerando y...
Mordecai: Lo ves. ¡Es un monstruo alienante!

¿En qué momento nos convertimos en monstruos alienantes?

Conociendo a Philip Glass by Zaira Torroella

Conociendo a Philip Glass

En la primer sesión hablamos brevemente de este compositor estadounidense de música minimalista. Les dejo estos links para que puedan conocer 2 compilaciones. Del primer disco les recomiendo empiecen por la pieza número 2 la cual considero es más representativa del género minimalista musical. El segundo link es una compilación (playlist) hecha por Spotify. Así también pueden conocer a cualquier músico con las listas de reproducción de Spotify que inician con el título "This is: Chopin" por ejemplo.
Glass al ser un músico destacado y prolífico de mediados del siglo XX y XXI otros músicos han hecho reinterpretaciones de sus piezas. En el tercer link les dejo una hecha por otro músico y compositor estadounidense destacado, Beck, quien en este Remix reune la esencia de la música de Glass compuesta entre 1973 y 1978, de ahí el título NYC 73-78.
Si quieren pueden empezar por esta pieza para que se puedan dar una idea general del estilo de Glass e intentar imaginarse, mientras la escuchan, el dinamismo de vivir en NY, pero a la vez los momentos de quietud que también se pueden llegar a sentir en aquella gran ciudad. Un instante en la soledad del bullucio y en el silencio de la inmensidad de la ciudad que nunca duerme.

Philip Glass – The Essential Philip Glass - Deluxe Edition https://open.spotify.com/album/5MlDvabXByA6OAOKitb7PG?si=jzYLM8KXTsiKyC1Rs3mksw







Beck´s NYC 73-78 (snippets from more than 20 Glass´ songs, which Beck cut together and re-imagined.)


Comencemos por el principio: ¿Qué es la apreciación estética? - Fabiola Torres Adame




Comparto un fragmento del capítulo "LA APRECIACIÓN ESTÉTICA" de Elena Oliveras, contenido en el libro "ESTÉTICA" de David Sobrevilla y Ramon Xirau.

"La apreciación de la belleza y del arte es un tema que admite una historia milenaria, esparcida en la reflexión estética de todos los tiempos. En distintos momentos, y desde distintas perspectivas, se ha estudiado la respuesta humana frente a la belleza y al arte; se han considerado, en particular, las condiciones, el proceso y la posibilidad de regulación de la respuesta valorativa del sujeto en esas dos regiones tradicionales de la estética. No obstante el interés de las aportaciones anteriores al siglo XVIII, es en ese período cuan­ do se sistematizan conceptos clave en torno a la apreciación estéti­ca, muchos de los cuales resultan de gran importancia en la re­ flexión y el debate contemporáneos. Por considerar insoslayable la contribución de Immanuel Kant, le hemos dado en nuestro trabajo un lugar central. Si bien, como él, otros autores analizados, anterio­res al siglo XX, no hablan de «apreciación estética», sus reflexiones sobre el gusto o sobre la atención y valoración estética remiten directa o indirectamente a nuestro tema. En el siglo xx esa expre­sión es frecuentemente adoptada en el ámbito de la filosofía y de la teoría del arte.

En su uso corriente, «apreciar» es «estimar» o «valorar» 1. De acuerdo con su significado etimológico (del latín appretiatio, de ad = a y pretium = precio), es «poner precio o tasa a las cosas vendi­bles». En sentido figurado es «reconocer y estimar el mérito de las personas o de las cosas»2. Según las lenguas, «apreciar» toma un sentido positivo o neutro. Puede significar «juzgar algo como bue­no» o «juzgar algo como bueno o malo». En inglés ese término se aplica casi siempre laudatoriamente, al igual que en italiano, lo cual excluye su uso neutro, que recae en la palabra «evaluación». En francés y en español «apreciar» adopta la forma tanto positiva como negativa. Así como a veces se entiende que apreciar es percibir correcta­ mente, la palabra «gusto» es tomada como equivalente de buen gusto o de gusto refinado. Se distingue entonces entre los que tie­nen gusto y los que no lo tienen. Otra interpretación de esa palabra es la que no establece jerarquías, como cuando se afirma: «sobre gustos no se discute». De gustibus et coloribus non est disputan­ dum, de acuerdo con el proverbio escolástico. Si, en el campo del arte, el concepto de «expresión» pone el acento en el creador, el de «apreciación» recae en el receptor. El análisis del fenómeno de la apreciación ingresa en el vasto campo de la «experiencia estética» dando cabida al problema del efecto que un tipo particular de objeto o de situación es capaz de provocar en el sujeto y a la localización de ciertas condiciones requeridas, entre las que se cuentan la lentezza d'animo (Alberti), la contemplación (Kant) y la empatía (Lipps)".


1. Diccionario de la Real Academia Española.
2. Diccionario del uso del español, Gredos, Madrid, 1994. 



 
     

TIME 100 PHOTOS

VISITEN EL SITIO !!!!!!!!!!!


The Most Influential Images of All Time


Though photography is a much younger medium than painting—the first photo is widely considered to date from 1826—the astonishing technological advances since then mean that there are now far more pictures taken every day than there are canvases in all the world’s galleries and museums. In 2016 alone, hundreds of billions of images were made.
We began this project with what seemed like a straightforward idea: assemble a list of the 100 most influential photographs ever taken. How do you narrow a pool that large? You start by calling in the experts. We reached out to curators, historians and photo editors around the world for suggestions. Their thoughtful nominations whittled the field, and then we asked TIME reporters and editors to see if those held up to scrutiny. That meant conducting thousands of interviews with the photographers, picture subjects, their friends and family members and others, anywhere the rabbit holes led. It was an exhaustive process that unearthed some incredible stories that we are proud to tell for the first time, in both written stories and original documentary videos.
There is no formula that makes a picture influential. Some images are on our list because they were the first of their kind, others because they shaped the way we think. And some made the cut because they directly changed the way we live. What all 100 share is that they are turning points in our human experience.
In the process of putting this list together, we noticed that one aspect of influence has largely remained constant throughout photography’s nearly two centuries. The photographer has to be there. The best photography is a form of bearing witness, a way of bringing a single vision to the larger world. That was as true for Alexander Gardner when he took his horse-pulled darkroom to the Battle of Antietam in 1862 as it was for David Guttenfelder when he was the first professional photographer to post directly to Instagram from inside North Korea in 2013. As James Nachtwey, who has dedicated his life to being there, put it some years ago, “You keep on going, keep on sending the pictures, because they can create an atmosphere where change is possible. I always hang on to that.”
—Ben Goldberger, Paul Moakley and Kira Pollack