¿El arte para las personas o las personas para el arte?


    Es evidente que el arte existe y existe tanto para el artista como para el espectador pero también para aquel que no tiene ningún tipo de interés particular en la obra o en el arte mismo. 

    A través de las diversas manifestaciones artísticas los seres humanos no sólo se expresan a sí mismos sino que dejan a través de la cultura un legado que perdura por generaciones y aunque este legado no siempre es consciente va quedando en la cultura de una sociedad determinada. Así, la música forma ya parte de la vida del ser humano como lo hace la literatura, la pintura y la escultura por mencionar sólo algunas. Parece ser sin embargo que las grandes obras son propiedad de los museos y quedan reducidas a los espacios que han sido determinados para ello. Esta situación beneficia sin duda su conservación y cuidado, sin embargo, ¿no aleja a la obra de arte de la mayoría de las personas? ¿no contradice esto la idea misma del arte como medio de expresión?

    Los grandes muralistas plasmaron su obra para que no fuera recluida intencionalmente para la mayoría de las personas. El mural de Juan O'Gorman en el edificio de la biblioteca de la UNAM es quizás uno de los más representativos y que está para disfrute de cualquiera, las paredes no lo encierran sino que lo proyectan al infinito visual de cualquier persona, pueden así admirarlo ricos y pobres, letrados o ignorantes. Lo mismo sucede con los murales exteriores del Polyforum cultural Siqueiros (que resguarda en su interior el mural más grande del mundo "La marcha de la humanidad").

    Del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, leía hoy por la mañana precisamente la siguiente noticia en el periódico: "Agoniza un Siqueiros"(Periódico Reforma edición digital. Sección cultura, México, 31 de Octubre de 2016). El Mítin obrero, obra del autor mexicano y que se encuentra ubicado en Los Angeles California "se ha resistido a la desaparición durante ocho décadas" dice el artículo.  Abandonado y olvidado, la obra plasmada en la fachada de un edificio parece agonizar ante la mirada de aquellos que lo ven como parte del paisaje urbano (casi como un grafiti más de la ciudad) y que la misma cotidianidad y la falta de reconocimiento público parece que lo condenan la muerte lenta de un deterioro inevitable.

    El arte para las personas necesita a las personas para que conserve su finalidad, es un binomio inevitable. El valor de la obra artística sobrevivirá en la medida en que las personas y no los museos  le concedan su lugar. 

   La riqueza del ser humano no está en sus monedas sino en sus valores morales, artísticos, culturales y para preservarlas no hacen falta bóvedas de seguridad sino educación y sensibilidad.



El Mítin del Obrero.
David Alfaro Siqueiros, 1932
Los Angeles California


Lucas Cranach "El Viejo" llega al Museo de San Carlos


Por primera vez, México recibe exposición de Cranach 'El Viejo'

Alondra Flores Soto
Periódico La Jornada
Jueves 27 de octubre de 2016, p. 3
El cisma, más de cinco siglos atrás, que cambió a Occidente al protestar contra la ostentosidad del Vaticano, aunado a una velada sensualidad, abre los delicados pliegues y detalles hechos de pigmento sobre madera con Lucas Cranach: sagrada emoción, con la que el Museo Nacional de San Carlos dedica por primera vez en México una exposición al artista del Renacimiento alemán.
Es un pintor que rompe con la Iglesia católica y comienza a crear arquetipos, sobre todo de la mujer, dijo Carmen Gaitán, directora del museo, al presentar la muestra antes de la inauguración este viernes.
Todavía con la adrenalina de la incertidumbre, con la última obra varada en el aeropuerto, detenida en la aduana y rescatada la noche anterior, anunció la alegría de exaltar a los pintores europeos.
Fue colosal el poder traerlo, exclamó Gaitán Rojo. Una gran cantidad de reuniones, cartas y peticiones fueron necesarias desde hace dos años. Además de poco más de 3 millones de pesos, además de las donaciones para el transporte.
Es un hecho inusual, pues la delicadeza de las piezas, porque son tablas, dificulta el traslado de las obras realizadas a finales del siglo XV y a principios del XVI.
Hubo un momento en Roma cuando los papas se inclinaban por la cuestión económica, relató la curadora Ana Carpizo. Un movimiento encabezado por Martín Lutero surge y expone una serie de dogmas de fe contrarios a la Iglesia católica. La ruptura intelectual que causó fue tan importante, que lo estamos viendo en estas obras. Fue un rompimiento no sólo religioso, social y político, sino en la historia del arte.
Cranach El Viejo (1472-1553) además de artista, también fue diplomático y funcionario gubernamental, muy cercano a Lutero. Un intelectual del momento, hombre polifacético e importante dentro de las reformas luteranas. Por eso es relevante el cisma de Cranach y tiene tantos seguidores: junto a Alberto Durero, creó la escuela del Renacimiento del norte de Europa.
Lucrecia, desnuda, apunta un puñal hacia su pecho. Esta pintura es la primera que recibe al visitante a la muestra en la planta alta del edificio en la colonia Tabacalera. Ultrajada por Sexto Tarquinio, fue retratada por Lucas Cranach en el instante previo al suicidio. La familia al vengarse de él, quien es todo un jerarca, ocasiona el cisma del Imperio Romano.
Vean el velo que apenas cubre a la mujer, invita Carpizo. Es una perfección pictórica y nos da un guiño de sensualidad. Así se repite en otras obras a unos cuantos pasos, en las representaciones de la mujer adúltera, también en otra de Adán y Eva, pareja representada varias ocasiones por este pintor alemán.y textos sobre ellas.
Incita a posar la vista por largos instantes al terminado del textil y la joyería. Al igual que observar a estas mujeres, con todo un fenotipo femenino del norte de Europa, con los ojos ligeramente alargados, la piel rosada, senos menudos y las cortinas de velos apenas perceptibles que cubren la desnudez.

Tres temas expresó Cranach: el retrato, la alegoría y lo religioso. Ana Carpizo comentó que su creación obedece a la tradición del medioevo. En sus pinturas quiere transmitirnos un dogma de fe y poner las Santas Escrituras al alcance de una imagen donde explica a Jesús, un axis mundi (el eje del mundo), o al cordero de Dios que resguarda la humildad, la contraparte del Maligno.

En la Sagrada emoción en San Carlos se exhiben 25 piezas, 80 por ciento de Cranach, una cuestión extraordinaria, celebró la curadora. Las otras son de sus seguidores y contemporáneos, entre ellos Durero, Bartolomeo Bruin y Lucas Cranach El Joven.

Destacan dos préstamos internacionales, uno del Museo de Arte de Filadelfia y otro del Nacional de Bellas Artes de Cuba. Además de colecciones nacionales, como la de los museos Soumaya y Franz Mayer, así como privadas, las de Pérez Simón e Hilario Galguera.

La pintura, recién llegada de La Habana, era la última para completar el montaje en tres salones que abre al público la noche de este viernes en el recinto ubicado en Puente de Alvarado, en el número 50. En una mesa, el tríptico de Cranach El Viejo muestra a Jesús en el huerto, la crucifixión con Dimas y Gestas, además de la Resurrección.

Los fenotipos con rostros alterados, entre mongólicos y malvados, fueron resaltados por Gaitán. Son los representantes de la Iglesia, una especie de mofa al poner estas caras que recordamos en El Bosco y en Brueghel.

Enseguida, la curadora invitó a prestar atención a los detalles del martirio de Jesús, por ejemplo, aparecen la esponja, los clavos y la donante, contrario a la costumbre, con una emoción abrazando a la cruz.

Gaitán Rojo anunció que esta muestra inaugura los catálogos en línea del museo, que implica que cualquiera podrá conocer en la página en Internet más sobre las obras a exhibición. Con la rapidez de un clic, el público conocerá las obras y textos sobre ellas.


Exposición de Patricia Fabre en la Anáhuac.
"Sin Límites"


    La pintura es sin duda un medio de expresión cotidiana, no tiene que ver con la edad, con la cultura o las tradiciones, el arte emerge del artista expresando la bondad y la belleza de su propio interior. La pintura moderna de Patricia Fabre confirma esta expresión y conversa con el espectador.

    La pequeña muestra de la vasta obra de Patricia Fabre es un derroche de emociones figurativas; la expresión de vida de una mujer que ha encontrado en la sinuosidad de los colores su propia expresión artística. Su exposición "Sin límites" es precisamente una expresión colorida que exalta los sentidos; es un recorrido por la historia personal de la artista poblana, un revuelo de colores, desaturaciones, líneas, círculos y contrastes de blancos y negros que llenan de vitalidad un sentimiento y una historia.  

    Es una mirada al alma, no necesariamente su alma sino al alma propia, única y personal del espectador, al alma de cada uno de nosotros. Cada una con sus propios claroscuros, sus fuentes de color y de luz, sus siluetas que sólo cobran sentido en las circunstancias personales. Las figuras que se esconden en medio de los trazos reflejan lo más profundo de nuestro ser.... en fin, una reflexión personal en cada cuadro.

  Decía Aristóteles en su Metafísica: "Omnes homines natura scire desiderant. Signum autem est sensuum dilectio. Praeter enim utilitatem, propter seipsos diliguntur, et maxime aliorum, qui est per oculos" (Cfr. 980a) que quiere decir: "Todos los hombres desean por naturaleza saber. Así lo indica el amor a los sentidos; pues, al margen de su utilidad, son amados a causa de sí mismos, y el que más de todos, el de la vista". Es la vista la que enamora y nos hace descubrir un mundo de realidades que no tienen límite pues son tan amplios como la razón y el entendimiento. Una realidad que nos invita al conocimiento y la búsqueda de la sabiduría que sólo arte puede inducir.

    No se pierdan esta exposición en el descanso del primer piso del edificio de la biblioteca de la Universidad Anáhuac México campus norte del 17 de Octubre al 4 de Noviembre. 

¡Que la disfruten!



https://m.facebook.com/story.php?story_fbid=1235185219891579&id=169663413110437

La anterior es la liga que les comparto con los comentarios del Maestro Roberto Ruiz Guadalajara en relación al Moulin Rouge y el París de finales del S. XIX. Creo que vale la pena escucharla. También les comento que la hermosa piensa al piano que se escucha de fondo es de Claude Debussy y se llama REVERIE, en otra entrada les comparto la liga de esta bella música !

Las fascinantes imágenes históricas de una artista que colorea nuestras memorias



La ciencia dice que los colores son capaces de despertar emociones y tal vez eso es lo que hay detrás del trabajo de la brasileña Marina Amaral.
La joven artista de 21 años se especializa en darle color a las fotografías en blanco y negro.
En su casa de Belo Horizonte, Marina le da una nueva vida al pasado devolviéndoles los colores, de una manera increíblemente realista, a fotografías históricas utilizando Photoshop.
A medida que los tonos grises se transforman en azul, rojo, verde o marrón, el sufrimiento de un prisionero en un campo de concentración alemán parece ser más intenso.
Y la destrucción en la ciudad japonesa de Hiroshima por la bomba atómica es aún más escalofriante.


"Creo que las fotos en blanco y negro terminan distanciando a las personas.Un evento registrado parece casi irreal. El color rompe esa barrera y nos acerca a esa realidad", dice Marina, quien comenzó a colorear fotos casualmente y ahora es su profesión.

Momentos para la memoria



Marina elige fotos que se han quedado fijados en la memoria de mucha gente. En la foto, Marthin Luther King Jr. marcha por los derechos de los negros en Washington D.C.

 Marina dice que antes de colorear una imagen realiza una investigación exhaustiva para que el resultado sea lo más fiel posible al personaje o escena original.







El color elimina la "distancia" que puede generar para alguien el ver una fotografía en blanco y negro. En la foto, obreros desempleados en San Francisco, EE.UU.
La artista brasileña comenzó su trabajo como una afición, pero ahora dedica todo su tiempo a darle color a imágenes antiguas.
Marina aprendió a utilizar Photoshop por su cuenta cuando era niña y lo unió a su fascinación por la historia después de aprender las técnicas para restaurar los colores de las fotografías antiguas.
Desde abril del año pasado, Marina se dedica casi exclusivamente a este tipo de trabajo y considera que la práctica le permitió perfeccionar su estilo e incluso desarrollar sus propios métodos.
Muchas de las fotos que ha transformado son de dominio público, sacadas de bancos de imágenes de fundaciones e instituciones gubernamentales como la Biblioteca del Congreso y el Archivo Nacional, ambos de EE.UU., o la Biblioteca Británica.
La llegada de las tropas de EE.UU. a la playa de Normandía, Francia, es una de las imágenes que Marina ha obtenido de instituciones gubernamentales o fundaciones.



Marina ha transformado tanto escenas como retratos antiguos, como el de la enfermera japonesa Aiko Hamaguchi hecho durante la Segunda Guerra Mundial.


La demanda de tiempo de su trabajo llevó a Marina a dejar la universidad para dedicarse exclusivamente a los pedidos que le llegan.

El famoso retrato del presidente estadounidense Abraham Lincoln ha sido uno de los trabajos de Marina que comparte en sus redes.



Marina ha recibido halagos por la exhaustividad en la investigación previa que realiza para colorear con fidelidad las fotografías que toma.

"Me encanta trabajar con fotografías que representan momentos históricos y que se han fijado en la memoria de la gente", dice Marina.


Marina también ha hecho trabajos con fotografías de otros países, como la foto de una casa del pueblo saami de Suecia.

Pero la joven artista también expresa su frustración por no contar con un registro fotográfico tan amplio en su natal Brasil.

La artista reunió más de 115.000 miembros en uno de los foros del sitio Reddit.
Luego pasó a otras redes sociales y comenzó a recibir solicitudes de trabajo para álbumes familiares y pedidos de museos y empresas.
La demanda creció tanto que Marina decidió abandonar la universidad.

"Me estaba quedando sin tiempo para estudiar", explica. "Colorear una imagen me toma una hora, pero las imágenes complejas pueden tardar meses en estar listas", explica la artista.
La destrucción que dejó la bomba atómica arrojada a Hiroshima, Japón, fue coloreada por la artista brasileña.


A diferencia de los retratos, las escenas complejas pueden demandar meses de trabajo para Marina.

A través de Twitter y Facebook, las nuevas versiones de las fotos hechas por Marina comenzaron a llamar la atención de los entusiastas de este tipo de trabajo y de los historiadores.
Daniel Jones, historiador y presentador de la cadena británica Channel 5, se hizo seguidor de Marina en Twitter.
"Me encantó su trabajo de rostros, lo compartí en mi perfil un par de veces y comenzamos a intercambiar mensajes", dice Jones, quien invitó a Marina a un proyecto conjunto.



La zona conocida como Banana Docks, en un puerto de Nueva York, es otra de las escenas de la vida cotidiana que tomó Marina.

Esta escena del Banana Docks es una de las más complejas que ha tenido que hacer Marina dada la cantidad de detalles que incluye.

Investigación 'estricta'

Jones dice que las fotos de Marina "son la manera perfecta de hacer que la gente se interese en la historia a través de internet".
Para el historiador, este trabajo se destaca por su "investigación rigurosa".
Antes de colorear una imagen, Marina busca documentos y referencias que indican el tono original de la persona fotografiada o de la escena.
"Creo que hasta ahora, trabajos así no han hecho en base a una investigación histórica seria. Yo dedico muchas horas a eso para que el resultado sea lo más fiel posible a la época", dice.

Una bandera de EE.UU. ondea en Francia tras la victoria de los Aliados en la Segunda Guerra Mundial.


Muchas de las imágenes del trabajo de Marina son de hechos históricos del siglo XX.
Los archivos de la Segunda Guerra Mundial son de los más trabajados por Marina, como esta imagen de unos niños frente a un tanque alemán tras la derrota a los nazis en Francia.


La dedicación a los detalles que tiene Marina le han valido para recibir muchos reconocimientos de sus seguidores.

Cerebro y Arte: La importancia del aprendizaje mediante las artes.

¿Por qué el cerebro humano necesita el arte?


Figura 1El artículo nos describe y explica poco a poco porque los niños y jóvenes necesitan del arte. Sin embargo, las explicaciones que se reflejan en el artículo pueden aplicar  a la persona, es decir incluyendo a los adultos.

Nos explica como la educación artística permite a la persona a adquirir competencias y desarrollar habilidades mentales.
El autor cita estudios para ejemplificar las diferentes áreas artísticas, como, en el caso de la música la corteza auditiva es la que responde,  en la danza cerebro y cerebelo son los responsables de la coordinación, en el teatro el sistema límbico se ve incluído.

Nos revela como con estudios científicos se ha comprobado que implementar educación artísticas en las aulas logran beneficios en el aprendizaje.  Algunos son; mayor compromiso emocional, trabajo activo, se facilita el aprendizaje de todas las asignaturas con base en las artes, el aprendizaje es "más real" porque se basa en proyecto no sólo en teoría, la evaluación se vuelve reflexiva y un punto muy importante, sobre todo en los jóvenes y niños, las familias se involucran más.

El aprendizaje mediante las artes optimiza tres áreas específicas: memoria a largo plazo, reducción de problemas emocionales y promueve el pensamiento creativo y profundo.

En el artículo  se desarrollan todas las artes, en este caso solo se mencionará la danza o las artes escénicas. Con el baile se desarrollan tres aspectos del pensamiento creativo:

  1. Fluidez
  2. Originalidad
  3. Abstracción

En otras palabras, mediante el movimiento corporal los conceptos abstractos se convierte en conceptos concretos, fomenta la tolerancia y respeto; pues no todos tenemos las mismas capacidad, existen alumnos que aprenden más rápidos que otros, existen alumnos que comprenden los movimientos pero no les es posible ejecutarlos. También mejora el autocontrol y el autoestima, ya que para mover tu cuerpo, tienes que ser dueño de él. El autoestima  se logra a través del logro día a día y la propia motivación.

Me gustaría cerrar este pequeño artículo con ejemplos concretos del artículo, pues creo que como docentes podemos buscar la forma de aplicarlos a nuestros alumnos y así ayudarlos en su formación.


  • Artes visuales. El profesor de Química pide a sus alumnos que dibujen un organizador gráfico en el que se muestren las fases más importantes de un experimento.
  • Música. El profesor de Historia pide a sus alumnos que reflejen en la letra de una melodía popular los hechos más significativos de la Revolución Francesa.
  • Poesía. El profesor de Matemáticas pide a sus alumnos que escriban una estrofa de un poema sobre los pasos que hay que seguir al resolver una ecuación matemática.
  • Teatro. El profesor de Inglés pide a sus alumnos que escriban un final alternativo de la obra Romeo y Julieta y que hagan una recreación teatral del mismo.

Artículo

Línea de Tiempo

Me encontré surfeando en la web y hallé esta línea del tiempo del MET, es decir, no es una línea hecha al azar, para una presentación de educación básica, es una institución dedicada al arte, lo que  a mí parecer le da validez a la información presentada.

Es rica en información tanto en imagen como  en datos, ya que con solo dar un clic te abra la información de la obra. Abarca pinturas, esculturas, objetos de diario, tapetes, vestimenta, sellos, máscaras.... Puedes elegir desde del periodo en que deseas ver los objetos,  lugar o temática.

¿Por qué lo comparto?

La razón por la que comparto este link, es debido a que constantemente nos enfrentamos con el mundo de información, damos un clic y estamos ante una cantidad incontable de información, muchas veces las estrategias de búsqueda no las conocemos como debemos, en ocasiones podemos dar por veraz información que a simple vista, lo es, pero que si indagamos un poco, ya no lo es tanto.

En muchas ocasiones la apreciación del arte suele ser complicada, porque te enfrentas con preguntas como ¿Dónde se encuentra la obra? ¿De qué año es? ¿Quién es el autor? ¿Habrá una imagen con mejor resolución? ¿Un ejemplo, cuál sería?.... así sucesivamente, bueno creo que este puede ser un excelente link para buscar obras donde podemos conseguir información de calidad en cuanto a imagen y cuya duda puede disiparse casi por completo.

Artículo

Exposición invitación

Día de la Raza

El Maestro Torre Blanca desde 1978 instituyo celebrar el 12 de octubre como el Día de la Danza Tradicional Mexicana es por eso que la Escuela Nacional de Danza Folklórica Mexicana, desde hace 38 años realiza el Festival de Danzas.

Se invita a las diferentes Escuelas Artísticas a participar.  Muchas veces sabemos que existen bailes o danzas pero  damos por hechos que están palabras son sinónimos y existe una diferencia esencial. Una danza se refiere raíces indígenas, usualmente los temas son de conquista o de burla. 
Las danzas de conquistas suelen ser la representación de cómo fue la conquista en cuanto a la percepción de quienes la vivieron, también muestran con el movimientos sus lamentos.

Por otro lado, los bailes son la expresión dancística del mestizaje. Movimientos alegres, ya no de lamentos ni burla hacia los conquistadores, sino una forma de aceptación y  reforzamiento de la identidad de un pueblo.

Los movimientos más conocidos son los bailes, por su alegría y dinamismo, como es el caso de La Bamba, El Jarabe Tapatío, Las Chiapanecas entre otros. Las danzas por otro lado son muy poco conocidas y en ocasiones ignoradas. Por eso a continuación  les dejo un par de videos de apenas unos segundos de diferentes danzas y que así como una servidora aún debe aprender mucho de unos temas, los invito a ampliar sus conocimiento cultural en el rubro de la danza.