TIME 100 PHOTOS
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The Most Influential Images of All Time
Though photography is a much younger medium than painting—the first photo is widely considered to date from 1826—the astonishing technological advances since then mean that there are now far more pictures taken every day than there are canvases in all the world’s galleries and museums. In 2016 alone, hundreds of billions of images were made.
We began this project with what seemed like a straightforward idea: assemble a list of the 100 most influential photographs ever taken. How do you narrow a pool that large? You start by calling in the experts. We reached out to curators, historians and photo editors around the world for suggestions. Their thoughtful nominations whittled the field, and then we asked TIME reporters and editors to see if those held up to scrutiny. That meant conducting thousands of interviews with the photographers, picture subjects, their friends and family members and others, anywhere the rabbit holes led. It was an exhaustive process that unearthed some incredible stories that we are proud to tell for the first time, in both written stories and original documentary videos.
There is no formula that makes a picture influential. Some images are on our list because they were the first of their kind, others because they shaped the way we think. And some made the cut because they directly changed the way we live. What all 100 share is that they are turning points in our human experience.
In the process of putting this list together, we noticed that one aspect of influence has largely remained constant throughout photography’s nearly two centuries. The photographer has to be there. The best photography is a form of bearing witness, a way of bringing a single vision to the larger world. That was as true for Alexander Gardner when he took his horse-pulled darkroom to the Battle of Antietam in 1862 as it was for David Guttenfelder when he was the first professional photographer to post directly to Instagram from inside North Korea in 2013. As James Nachtwey, who has dedicated his life to being there, put it some years ago, “You keep on going, keep on sending the pictures, because they can create an atmosphere where change is possible. I always hang on to that.”
—Ben Goldberger, Paul Moakley and Kira Pollack
El Mesías de Georg F. Händel
El Mesías
Oratorio de Georg Friedrich Händel (1685-1759), con texto en idioma en ingles, compilado de La Biblia por Charles Jennes (1700-1773) Estreno: The Music Hall, Dublín, Irlanda, Abril 13, 1742, Concierto sinfónico coral.
Programa:
James Burton, director musical
John Daly Goodwin, director huésped del coro
Lucía Salas, soprano
Lydia Rendón, mezzosoprano
Enrique Guzmán*, tenor
Arturo López Castillo, bajo
Lydia Rendón, mezzosoprano
Enrique Guzmán*, tenor
Arturo López Castillo, bajo
Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes
*Beneficiario del EOBA/INBA-Fonca
Remedios Varo. Apuntes y anécdotas de una colección
Remedios Varo. Apuntes y anécdotas de una colección integra en el MAM las 39 obras de la artista que forman parte del acervo del recinto
- Donada al MAM en 2002 por Walter Gruen y Anna Alexandra Varsoviano, la Colección Isabel Gruen Varsoviano. In Memoriam representa el acervo más completo de Remedios Varo en un museo
- La exposición podrá ser visitada a partir del sábado 10 de septiembre al 05 de febrero del 2017.
La Secretaría de Cultura, por medio del Museo de Arte Moderno (MAM), presentará, a partir del sábado 10 de septiembre, la exposición Remedios Varo. Apuntes y anécdotas de una colección, con la cual el recinto dedica una sala al acervo que le fue donado en 2002 por Walter Gruen y Anna Alexandra Varsoviano en memoria de su hija Isabel Gruen Varsoviano.
Tras la exhibición más reciente de esta colección en el MAM en 2013, las obras viajaron al Centro Cultural Tijuana y posteriormente se presentaron en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Después de un periodo de descanso, las 39 piezas han vuelto al MAM bajo una lectura que reúne múltiples datos asociados a cada una de ellas. Este ejercicio ha tomado como herramienta principal al Catálogo razonado, editado por primera vez en 1994 por Era.
El proyecto de este valioso documento lo emprendieron Walter Gruen y Ricardo Ovalle. En él participaron especialistas cuyas colaboraciones aportan datos relevantes para reconstruir la crónica de este acervo. La muestra recopila e interpreta los pedazos de historia que aparecen en documentos, testimonios y múltiples estudios.
A manera de libro abierto, esta exposición se desenvuelve en tres núcleos temáticos: los estudios de las firmas, los datos curiosos y la historia del largo litigio mediante el cual fue posible trazar la genealogía de esta colección. Se reproducen comentarios de la pintora sobre piezas icónicas como Mujer saliendo del psicoanalista (1960), Mimetismo (1960) y La huida (1961), así como testimonios de terceros que ofrecen pormenores acerca de los orígenes de este fondo.
La muestra cierra con una cronología centrada más en los datos curiosos que en los grandes temas asociados a la obra de una de las más destacadas representantes del surrealismo en México.
Sobre la autora se conocen los datos generales: nació en Anglés, provincia de Gerona, España, en 1908; muy joven se casó con el pintor Gerardo Lizárraga; más tarde, ya separada de él, entró en contacto con el círculo surrealista de París gracias a su entonces pareja, el poeta Benjamin Péret, y llegó a México durante la Segunda Guerra Mundial.
Se sabe de su afición por la alquimia, la ciencia y el esoterismo; su gusto por la literatura y su interés en el psicoanálisis; su amistad entrañable con Leonora Carrington, y su repentina muerte a los 54 años de edad.
Al seguir la noción de intrahistoria –voz creada por Miguel de Unamuno–, con la cual propone asomarse a los hechos subhistóricos por encima de los grandes acontecimientos, Remedios Varo. Apuntes y anécdotas de una colección deja a un lado temas como el surrealismo, el exilio o el esoterismo, para dar cabida a la pequeña historia, con lo cual otorga un lugar preponderante a Walter Gruen, pareja de Remedios Varo desde 1952 y hasta el fallecimiento de la creadora.
La exposición está dedicada a la memoria de Anna Alexandra Varsoviano, fallecida recientemente, y quien donó junto con Walter Gruen al MAM la Colección Isabel Gruen Varsoviano. In Memoriam –que representa el acervo más completo de Remedios Varo en un museo– y consagró las últimas décadas de su vida a promover la obra de la artista y a resguardar un valioso archivo que ha sido fuente inagotable de investigación.
El Museo del Prado reflexiona sobre qué es el arte
Dicen que los ojos son el reflejo del alma. Los del chico de Huyendo de la crítica, de Pere Borrell demuestran su visión del arte de la época: sorpresa, ansiedad por salir del cuadro que le retiene. Sus brazos atesoran sus intenciones de romper con lo tradicional, de buscar nuevos estamentos para el arte que se mantuvo desde principios de la Edad Moderna hasta finales del siglo XIX. El Museo del Prado, a través de ésta y otro centenar de obras, intenta llevar al espectador al mundo de la metapintura, una forma de referirse a la pintura a través de la misma.
"Exposiciones como esta muestran tanto el vigor intelectual del museo como su versatilidad", apunta Miguel Falomir, director adjunto de conservación e investigación del Museo del Prado. Metapintura. Un viaje a la idea del arte, que estará desde este martes hasta febrero de 2017, aborda los problemas fundamentales de la teoría artística a través de relatos mitológicos, el carácter místico de las imágenes y su devoción religiosa. "La exposición propicia un cambio de lectura de una misma obra", dice Javier Portús, comisario, para quien la relación entre los espacios pictóricos y la realidad son la base para entender la forma en que los artistas se han representado a sí mismos a lo largo del tiempo.
Metapintura arranca, de esta forma, con la obra Cristo crucificado contemplado por un pintor, de Francisco de Zurbarán, que pone de manifiesto la estrecha relación entre arte y religión durante la Edad Moderna. Y finaliza con Rotonda del Museo del Prado, de Pedro Kuntz y Valentini, que ensalza la apertura de la pinacoteca en Madrid.
El visitante encontrará, así, lienzos en los que, por un momento, la pintura abandona su definición de 'ventana' al exterior, para convertirse en un 'espejo', en el que un artista se pueda mirar y ver a sí mismo. "Individualmente cada obra es un ejercicio de introspección, pero también a nivel colectivo al establecerse como un espejo en el que el museo se está mirando dentro de sí. Es un ejercicio de autorreflexión", explica Portús. Se reflejan las leyes de su actividad, la tradición, la historia o el sistema de las artes. Una forma de reivindicar el carácter liberal de los artistas de la época.
Distintas imágenes representan lugares vinculados con su propio arte. Algunas son invenciones, escenarios, pero también hay algunas que reproducen espacios reales, como la del Archiduque Leopoldo Guillemo en su Galería de pinturas en Bruselas, de David Teniers. "Toda la historia de la pintura podría ser entendida como metapintura", dice Jaime de los Santos, director general de promoción cultural, de la Comunidad de Madrid.
La muestra, que se inscribe en la serie de exposiciones que comenzó en 2010 con Rubens, incorpora entre sus piezas seleccionadas, la mayoría procedentes de colecciones reales, obras de Zurbarán, Bernini, Goya, El Greco o Murillo. 22 han sido prestadas por 18 museos y coleccionistas diferentes como la Fundación Casa de Alba, la National Gallery de Londres o el Museo de Bellas Artes de Sevilla, entre otros. Entre ellas, se encuentra Cristo crucificado, con un pintor, de Zurbarán; La Santa Faz, de El Greco; o, Las hilanderas, de Velázquez, una forma de aludir la idea de tradición y progreso artístico para situarse dentro de la misma.
Todos estos pintores presentes en colecciones permanentes de El Prado reflexionaron sobre el arte, el artista y su relación con la sociedad: desde los orígenes, en los que la pintura estaba prácticamente al servicio de la religión, hasta la definición del nuevo artista durante el siglo XVIII, cuando el "yo" invade la esfera del arte.
Además, aprovechando el IV Centenario del fallecimiento de Cervantes, la exposición rinde homenaje al autor, reservando un espacio al Quijote y poniéndolo en relación con Las meninas, de Velázquez, pues al igual que la obra del escritor es una novela sobre la novela, la del artista es una pintura sobre la pintura, en la que el autor no solo representa lo representado, sino que abordar cuestiones entre la figura del pintor y su creación. "No es un mano a mano", explica Miguel Zugaza, director del Museo del Prado. "Lo que se pretende es que a través de más de 100 obras se dé lugar a un viaje a través del arte".
Donald Trump...
Es inevitable que los comentarios en el planeta se centren hoy día en el triunfo del candidato republicano (mas no republicano en sí mismo) Donald Trump para ocupar la Casa Blanca por los próximos cuatro años al menos. Éste, al ser un blog abierto a cualquier comentario no puede dejar de ser uno de esos foros. Es un foro de arte: sí efectivamente lo es y no por serlo debe quedar ajeno a los sucesos políticos de la época.
El arte y el gobierno o las estructuras de poder han caminado de la mano por mucho tiempo, desde la Roma antigua en que las esculturas mostraban las cualidades no sólo físicas del emperador sino de gobierno. Los tributos anexos a las mismas ayudaban a los pueblos a admirar y a confiar en sus gobernantes. La pintura hizo lo propio en los siglos posteriores y los retratos de los reyes eran meticulosamente elaborados para reflejar en sus poses o expresiones las virtudes del monarca.
Como muestra basta un botón: es célebre, y viene mucho a cuento como paralelismo de la actualidad política la pintura de Jacques-Louis David
La coronación del emperador Napoleón y la coronación de la emperatriz Josefina
el 2 de Diciembre de 1804
(Museo del Louvre, París).
¿No nos recuerda esto al autoimpuesto candidato republicano que de sus propios recursos ha financiado su campaña con el único objetivo de ser el ganador?, ¿no se erigió como candidato aún en contra de su propio partido? ¿No se percibe, al menos hoy, como un Napoleón moderno que sólo tiene interés en ganar a toda costa?, dejemos estas preguntas para la reflexión y el posterior juicio de la historia.
¿Qué sucederá con el arte? El arte es expresión de la persona y esta elección moderna, quizás la más competida y contrastante en la historia de los Estados Unidos que ha atraído como nunca antes la atención mundial provocará una reacción en este medio de expresión humana, habrá que esperar para verlo y más para definirlo. Habrá que esperar para ver si las necesidades de expresión artística no son, al menos en un inicio, suplantadas por las necesidades básicas de la existencia (las bolsas del mundo se caen, las monedas se deprecian, los tambores de guerra se escuchan a lo lejos...).
El artista es artista pero tiene antes que comer. Esperemos que los mercados sean prudentes y verdaderamente analíticos separando los argumentos de una campaña de las verdaderas políticas públicas de gobierno, del gobierno más importante en la actualidad. Si esto no sucede.... "we are fired!"
Los fantasmas de la extinción del Arte.
La noche de brujas, el día de muertos, las historias de terror fueron tema recurrente en los días pasados en que se celebran las fiestas que honran en México a nuestros antepasados y que en el mundo entero se han convertido en noches de celebración. La muerte está presente en el pensamiento del ser humano, es lo único de lo que no puede escapar y a pesar de los intentos de la ciencia y de la fantasía sigue vigente en su existir.
Esta idea de la muerte trasciende las fronteras de la propia vida irrumpiendo en toda forma de su actividad, el arte y la cultura no han escapado de ello. Se habla de la obra de arte como algo que elude la muerte, lo que "inmortaliza" al artista y es quizás una motivación para muchos de ellos el poder lograrlo, a lo largo de la historia algunos lo han conseguida aunque paradójicamente lo hicieran posterior a su propia muerte.
Ante el surgimiento de la fotografía en la segunda mitad del Siglo XIX y con su posterior desarrollo, se llegó a pensar que era el fin de la pintura, ¿cuál era la necesidad de representar la realidad a través de la pintura si eso se podría lograr de forma mecánica y con mucha mayor fidelidad?, el miedo a la muerte del arte pictórico comenzaba a amenazar en aquellos años. Sin embargo el resultad fue absolutamente otro, el cambio en los paradigmas pictóricos sucedía uno tras otro, la mimesis comienza a dar paso a otra serie de inquietudes en la pintura; surge el impresionismo buscando no la realidad objetiva sino la personal, comienza el arte a dar un giro que sería crucial. Cézanne, Renoir, Manet son algunos de sus principales representantes.
Vassily Kandinsky (1866-1944) quizás daría el vuelco definitivo, buscando en el interior del artista los verdaderos fundamentos del arte, dice E.H. Gombrich: "al igual que muchos otros pintores amigos suyos, fue un místico que aborrecía los valores del progreso y la ciencia" (Historia del arte. E.H. Gombrich. Ed. Phaidon. p. 440). Lo representado en el lienzo ya no se parece a la realidad que se percibe con la vista. El arte abstracto reclama entonces su lugar en la historia. Le seguirían las nuevas corrientes artísticas características del Siglo XX incluyendo las vanguardias.
Pero en el fondo de todo esto, no muere el arte por la fotografía sino que encuentra nuevos caminos y continúa su proceso de evolución, sin embargo el miedo a la muerte perdura...
"El fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado (premio Príncipe de Asturias de las artes de 1998), uno de los fotógrafos más premiados y reconocidos del mundo ha dicho que considera que la fotografía está en proceso de extinción y que a dicho arte le quedan 20 o 30 años de vida" según un artículo del periódico REFORMA (Edición digital , 2 de Noviembre del 2016).
Es de llamar la atención el paralelismo con lo sucedido ante el surgimiento de la cámara fotográfica. Para el fotógrafo "la imagen" ha sustituido a la fotografía, la imagen como lenguaje en el que no importa la calidad ni el arte -según Salgado-. La fotografía, ha quedado al alcance de todos con el avance de la tecnología que permite tener en un teléfono una calidad digital extraordinaria. El rechazo es evidente por parte del artista que ha visto en la fotografía su medio de expresión pero el arte cuando es arte no muere. La fotografía deberá, como ha sucedido con otras formas de expresión artística, someterse al crisol de los cambios sociales, culturales y tecnológicos para resurgir con mayor pureza y vivacidad.
Si es verdad el que la historia se repite, la fotografía superará las fantasmas de la extinción y vivirá su proceso de evolución creativa manteníendose en el pedestal de Arte.
¿El arte para las personas o las personas para el arte?
Es evidente que el arte existe y existe tanto para el artista como para el espectador pero también para aquel que no tiene ningún tipo de interés particular en la obra o en el arte mismo.
A través de las diversas manifestaciones artísticas los seres humanos no sólo se expresan a sí mismos sino que dejan a través de la cultura un legado que perdura por generaciones y aunque este legado no siempre es consciente va quedando en la cultura de una sociedad determinada. Así, la música forma ya parte de la vida del ser humano como lo hace la literatura, la pintura y la escultura por mencionar sólo algunas. Parece ser sin embargo que las grandes obras son propiedad de los museos y quedan reducidas a los espacios que han sido determinados para ello. Esta situación beneficia sin duda su conservación y cuidado, sin embargo, ¿no aleja a la obra de arte de la mayoría de las personas? ¿no contradice esto la idea misma del arte como medio de expresión?
Los grandes muralistas plasmaron su obra para que no fuera recluida intencionalmente para la mayoría de las personas. El mural de Juan O'Gorman en el edificio de la biblioteca de la UNAM es quizás uno de los más representativos y que está para disfrute de cualquiera, las paredes no lo encierran sino que lo proyectan al infinito visual de cualquier persona, pueden así admirarlo ricos y pobres, letrados o ignorantes. Lo mismo sucede con los murales exteriores del Polyforum cultural Siqueiros (que resguarda en su interior el mural más grande del mundo "La marcha de la humanidad").
Del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, leía hoy por la mañana precisamente la siguiente noticia en el periódico: "Agoniza un Siqueiros"(Periódico Reforma edición digital. Sección cultura, México, 31 de Octubre de 2016). El Mítin obrero, obra del autor mexicano y que se encuentra ubicado en Los Angeles California "se ha resistido a la desaparición durante ocho décadas" dice el artículo. Abandonado y olvidado, la obra plasmada en la fachada de un edificio parece agonizar ante la mirada de aquellos que lo ven como parte del paisaje urbano (casi como un grafiti más de la ciudad) y que la misma cotidianidad y la falta de reconocimiento público parece que lo condenan la muerte lenta de un deterioro inevitable.
El arte para las personas necesita a las personas para que conserve su finalidad, es un binomio inevitable. El valor de la obra artística sobrevivirá en la medida en que las personas y no los museos le concedan su lugar.
La riqueza del ser humano no está en sus monedas sino en sus valores morales, artísticos, culturales y para preservarlas no hacen falta bóvedas de seguridad sino educación y sensibilidad.
El Mítin del Obrero.
David Alfaro Siqueiros, 1932
Los Angeles California
Lucas Cranach "El Viejo" llega al Museo de San Carlos
Por primera vez, México recibe exposición de Cranach 'El Viejo'
Alondra Flores Soto
Periódico La Jornada
Jueves 27 de octubre de 2016, p. 3
Jueves 27 de octubre de 2016, p. 3
El cisma, más de cinco siglos atrás, que cambió a Occidente al protestar contra la ostentosidad del Vaticano, aunado a una velada sensualidad, abre los delicados pliegues y detalles hechos de pigmento sobre madera con Lucas Cranach: sagrada emoción, con la que el Museo Nacional de San Carlos dedica por primera vez en México una exposición al artista del Renacimiento alemán.
Es un pintor que rompe con la Iglesia católica y comienza a crear arquetipos, sobre todo de la mujer, dijo Carmen Gaitán, directora del museo, al presentar la muestra antes de la inauguración este viernes.
Todavía con la adrenalina de la incertidumbre, con la última obra varada en el aeropuerto, detenida en la aduana y rescatada la noche anterior, anunció la alegría de exaltar a los pintores europeos.
Fue
colosalel poder traerlo, exclamó Gaitán Rojo. Una gran cantidad de reuniones, cartas y peticiones fueron necesarias desde hace dos años. Además de poco más de 3 millones de pesos, además de las donaciones para el transporte.
Es un hecho inusual, pues la delicadeza de las piezas, porque son tablas, dificulta el traslado de las obras realizadas a finales del siglo XV y a principios del XVI.
Hubo un momento en Roma cuando los papas se inclinaban por la cuestión económica, relató la curadora Ana Carpizo. Un movimiento encabezado por Martín Lutero surge y expone una serie de dogmas de fe contrarios a la Iglesia católica.
La ruptura intelectual que causó fue tan importante, que lo estamos viendo en estas obras. Fue un rompimiento no sólo religioso, social y político, sino en la historia del arte.
Cranach El Viejo (1472-1553) además de artista, también fue diplomático y funcionario gubernamental, muy cercano a Lutero.
Un intelectual del momento, hombre polifacético e importante dentro de las reformas luteranas. Por eso es relevante el cisma de Cranach y tiene tantos seguidores: junto a Alberto Durero, creó la escuela del Renacimiento del norte de Europa.
Lucrecia, desnuda, apunta un puñal hacia su pecho. Esta pintura es la primera que recibe al visitante a la muestra en la planta alta del edificio en la colonia Tabacalera. Ultrajada por Sexto Tarquinio, fue retratada por Lucas Cranach en el instante previo al suicidio. La familia al vengarse de él, quien es todo un jerarca, ocasiona el cisma del Imperio Romano.
Vean el velo que apenas cubre a la mujer, invita Carpizo.
Es una perfección pictórica y nos da un guiño de sensualidad. Así se repite en otras obras a unos cuantos pasos, en las representaciones de la mujer adúltera, también en otra de Adán y Eva, pareja representada varias ocasiones por este pintor alemán.y textos sobre ellas.
Incita a posar la vista por largos instantes al terminado del
textil y la joyería. Al igual que observar a estas mujeres, con todo un
fenotipo femenino del norte de Europa, con los ojos ligeramente alargados, la
piel rosada, senos menudos y las cortinas de velos apenas perceptibles que
cubren la desnudez.
Tres temas expresó Cranach: el retrato, la alegoría y lo
religioso. Ana Carpizo comentó que su creación obedece a la tradición del
medioevo. En sus pinturas quiere transmitirnos un dogma de fe y poner las
Santas Escrituras al alcance de una imagen donde explica a Jesús, un axis mundi
(el eje del mundo), o al cordero de Dios que resguarda la humildad, la
contraparte del Maligno.
En la Sagrada emoción en San Carlos se exhiben 25 piezas, 80 por
ciento de Cranach, una cuestión extraordinaria, celebró la curadora. Las otras
son de sus seguidores y contemporáneos, entre ellos Durero, Bartolomeo Bruin y
Lucas Cranach El Joven.
Destacan dos préstamos internacionales, uno del Museo de Arte de
Filadelfia y otro del Nacional de Bellas Artes de Cuba. Además de colecciones
nacionales, como la de los museos Soumaya y Franz Mayer, así como privadas, las
de Pérez Simón e Hilario Galguera.
La pintura, recién llegada de La Habana, era la última para
completar el montaje en tres salones que abre al público la noche de este
viernes en el recinto ubicado en Puente de Alvarado, en el número 50. En una
mesa, el tríptico de Cranach El Viejo muestra a Jesús en el huerto, la
crucifixión con Dimas y Gestas, además de la Resurrección.
Los fenotipos con rostros alterados, entre mongólicos y malvados,
fueron resaltados por Gaitán. Son los representantes de la Iglesia, una especie
de mofa al poner estas caras que recordamos en El Bosco y en Brueghel.
Enseguida, la curadora invitó a prestar atención a los detalles
del martirio de Jesús, por ejemplo, aparecen la esponja, los clavos y la
donante, contrario a la costumbre, con una emoción abrazando a la cruz.
Gaitán Rojo anunció que esta muestra inaugura los catálogos en
línea del museo, que implica que cualquiera podrá conocer en la página en
Internet más sobre las obras a exhibición. Con la rapidez de un clic, el
público conocerá las obras y textos sobre ellas.
Exposición de Patricia Fabre en la Anáhuac.
"Sin Límites"
La pintura es sin duda un medio de expresión cotidiana, no tiene que ver con la edad, con la cultura o las tradiciones, el arte emerge del artista expresando la bondad y la belleza de su propio interior. La pintura moderna de Patricia Fabre confirma esta expresión y conversa con el espectador.
La pequeña muestra de la vasta obra de Patricia Fabre es un derroche de emociones figurativas; la expresión de vida de una mujer que ha encontrado en la sinuosidad de los colores su propia expresión artística. Su exposición "Sin límites" es precisamente una expresión colorida que exalta los sentidos; es un recorrido por la historia personal de la artista poblana, un revuelo de colores, desaturaciones, líneas, círculos y contrastes de blancos y negros que llenan de vitalidad un sentimiento y una historia.
Es una mirada al alma, no necesariamente su alma sino al alma propia, única y personal del espectador, al alma de cada uno de nosotros. Cada una con sus propios claroscuros, sus fuentes de color y de luz, sus siluetas que sólo cobran sentido en las circunstancias personales. Las figuras que se esconden en medio de los trazos reflejan lo más profundo de nuestro ser.... en fin, una reflexión personal en cada cuadro.
Decía Aristóteles en su Metafísica: "Omnes homines natura scire desiderant. Signum autem est sensuum dilectio. Praeter enim utilitatem, propter seipsos diliguntur, et maxime aliorum, qui est per oculos" (Cfr. 980a) que quiere decir: "Todos los hombres desean por naturaleza saber. Así lo indica el amor a los sentidos; pues, al margen de su utilidad, son amados a causa de sí mismos, y el que más de todos, el de la vista". Es la vista la que enamora y nos hace descubrir un mundo de realidades que no tienen límite pues son tan amplios como la razón y el entendimiento. Una realidad que nos invita al conocimiento y la búsqueda de la sabiduría que sólo arte puede inducir.
No se pierdan esta exposición en el descanso del primer piso del edificio de la biblioteca de la Universidad Anáhuac México campus norte del 17 de Octubre al 4 de Noviembre.
¡Que la disfruten!
https://m.facebook.com/story.php?story_fbid=1235185219891579&id=169663413110437
La anterior es la liga que les comparto con los comentarios del Maestro Roberto Ruiz Guadalajara en relación al Moulin Rouge y el París de finales del S. XIX. Creo que vale la pena escucharla. También les comento que la hermosa piensa al piano que se escucha de fondo es de Claude Debussy y se llama REVERIE, en otra entrada les comparto la liga de esta bella música !
La anterior es la liga que les comparto con los comentarios del Maestro Roberto Ruiz Guadalajara en relación al Moulin Rouge y el París de finales del S. XIX. Creo que vale la pena escucharla. También les comento que la hermosa piensa al piano que se escucha de fondo es de Claude Debussy y se llama REVERIE, en otra entrada les comparto la liga de esta bella música !
Las fascinantes imágenes históricas de una artista que colorea nuestras memorias
La ciencia dice que los colores son capaces de despertar emociones y tal vez eso es lo que hay detrás del trabajo de la brasileña Marina Amaral.
La joven artista de 21 años se especializa en darle color a las fotografías en blanco y negro.
En su casa de Belo Horizonte, Marina le da una nueva vida al pasado devolviéndoles los colores, de una manera increíblemente realista, a fotografías históricas utilizando Photoshop.
A medida que los tonos grises se transforman en azul, rojo, verde o marrón, el sufrimiento de un prisionero en un campo de concentración alemán parece ser más intenso.
Y la destrucción en la ciudad japonesa de Hiroshima por la bomba atómica es aún más escalofriante.
"Creo que las fotos en blanco y negro terminan distanciando a las personas.Un evento registrado parece casi irreal. El color rompe esa barrera y nos acerca a esa realidad", dice Marina, quien comenzó a colorear fotos casualmente y ahora es su profesión.
Momentos para la memoria
Marina elige fotos que se han quedado fijados en la memoria de mucha gente. En la foto, Marthin Luther King Jr. marcha por los derechos de los negros en Washington D.C.
Marina dice que antes de colorear una imagen realiza una investigación exhaustiva para que el resultado sea lo más fiel posible al personaje o escena original.
Marina aprendió a utilizar Photoshop por su cuenta cuando era niña y lo unió a su fascinación por la historia después de aprender las técnicas para restaurar los colores de las fotografías antiguas.
Desde abril del año pasado, Marina se dedica casi exclusivamente a este tipo de trabajo y considera que la práctica le permitió perfeccionar su estilo e incluso desarrollar sus propios métodos.
Muchas de las fotos que ha transformado son de dominio público, sacadas de bancos de imágenes de fundaciones e instituciones gubernamentales como la Biblioteca del Congreso y el Archivo Nacional, ambos de EE.UU., o la Biblioteca Británica.
La llegada de las tropas de EE.UU. a la playa de Normandía, Francia, es una de las imágenes que Marina ha obtenido de instituciones gubernamentales o fundaciones.
Marina ha transformado tanto escenas como retratos antiguos, como el de la enfermera japonesa Aiko Hamaguchi hecho durante la Segunda Guerra Mundial.
La demanda de tiempo de su trabajo llevó a Marina a dejar la universidad para dedicarse exclusivamente a los pedidos que le llegan.
El famoso retrato del presidente estadounidense Abraham Lincoln ha sido uno de los trabajos de Marina que comparte en sus redes.
Marina ha recibido halagos por la exhaustividad en la investigación previa que realiza para colorear con fidelidad las fotografías que toma.
"Me encanta trabajar con fotografías que representan momentos históricos y que se han fijado en la memoria de la gente", dice Marina.
Marina también ha hecho trabajos con fotografías de otros países, como la foto de una casa del pueblo saami de Suecia.
Pero la joven artista también expresa su frustración por no contar con un registro fotográfico tan amplio en su natal Brasil.
La artista reunió más de 115.000 miembros en uno de los foros del sitio Reddit.
Luego pasó a otras redes sociales y comenzó a recibir solicitudes de trabajo para álbumes familiares y pedidos de museos y empresas.
La demanda creció tanto que Marina decidió abandonar la universidad.
"Me estaba quedando sin tiempo para estudiar", explica. "Colorear una imagen me toma una hora, pero las imágenes complejas pueden tardar meses en estar listas", explica la artista.
La destrucción que dejó la bomba atómica arrojada a Hiroshima, Japón, fue coloreada por la artista brasileña.
A diferencia de los retratos, las escenas complejas pueden demandar meses de trabajo para Marina.
A través de Twitter y Facebook, las nuevas versiones de las fotos hechas por Marina comenzaron a llamar la atención de los entusiastas de este tipo de trabajo y de los historiadores.
Daniel Jones, historiador y presentador de la cadena británica Channel 5, se hizo seguidor de Marina en Twitter.
"Me encantó su trabajo de rostros, lo compartí en mi perfil un par de veces y comenzamos a intercambiar mensajes", dice Jones, quien invitó a Marina a un proyecto conjunto.
Investigación 'estricta'
Jones dice que las fotos de Marina "son la manera perfecta de hacer que la gente se interese en la historia a través de internet".
Para el historiador, este trabajo se destaca por su "investigación rigurosa".
Antes de colorear una imagen, Marina busca documentos y referencias que indican el tono original de la persona fotografiada o de la escena.
"Creo que hasta ahora, trabajos así no han hecho en base a una investigación histórica seria. Yo dedico muchas horas a eso para que el resultado sea lo más fiel posible a la época", dice.
Una bandera de EE.UU. ondea en Francia tras la victoria de los Aliados en la Segunda Guerra Mundial.
Los archivos de la Segunda Guerra Mundial son de los más trabajados por Marina, como esta imagen de unos niños frente a un tanque alemán tras la derrota a los nazis en Francia.
La dedicación a los detalles que tiene Marina le han valido para recibir muchos reconocimientos de sus seguidores.
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