Nicolas Winding Refn

Hola a todos:

De nuevo por acá, otra vez  trayendo una recomendación de cine. En esta ocasión les platicaré un poco del cineasta Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970) En mi opinión uno de los directores más originales de la actualidad. Ha hecho películas como The Neon Demon (2016), Only god forgives (2013), la trilogía Pusher (1996-2005) y una de mis películas favoritas, Drive (2011).

Sus películas tienen una cualidad muy contemplativa, tenemos escenas  de larga duración en las que el espectador puede observar cada detalle de lo que está viendo. A excepción de Valhalla Rising (2009) los mundos de Winding Refn son mundos cotidianos que brillan por su simpleza pero en los que suceden cosas extraordinarias que a simple vista no se ven. De pronto, Los Ángeles o Bangkok se vuelven mundos  surreales. Además, siempre sus películas tienen un gran contraste de colores, siempre juega con las tonalidades y es que el director no puede ver ciertas tonalidades de color así esto ha influido en la manera de dirigir.

En cuanto a sus protagonistas, son hombres solitarios, alejados de cualquier tipo de conexión con  el mundo a su alrededor, tienen un sólo objetivo y que las circunstancias los llevan a realizarse como personas.  Por lo regular no son los típicos héroes, en realidad son antiheroes que se ven atrapados en una serie de circunstancias que les imponen una misión,  la cual los obliga a realizar actos atroces como asesinar a su propio padre o vengar la muerte de un hermano que ha matado y violado a una mujer. Pero al final, los protagonistas son redimibles por los sacrificios que hacen por alguien más. Son, en el fondo, tragedias en las que los protagonistas no pueden escapar a su destino, pero resueltos lo confrontan.

La tendencia de protagonistas masculinos, se va a romper con The Neon Demon (2016), película que sigue a una joven recien llegada a Los Ángeles y que busca ser una modelo. En la película no hay ningún personaje bueno ni héroes. La trama gira alrededor de la joven modelo que se va transformando por un ambiente un tanto malévolo, mismo que ha transformado a la gente a su alrededor. Mantiene el mismo sentido trágico sólo que aquí no vemos nadie capaz de redimirse. Al contrario, es una historia que narra la decadencia en un ambiente donde la apariencia lo es todo.

Para finalizar, les dejo dos trailers. El primero es de Drive y el segundo de The Neon Demon. las películas son fáciles de conseguir en Gandhi y El Péndulo. También en internet se encuentran:

Feliz cumpleaños Vincent!

Les dejo este video para celebrar el cumpleaños 165 de Vincent Van Gogh donde pueden ver sus obras en varios museos del mundo, así como su casa y lugares donde trabajó y pintó. 

Feliz cumpleaños Vincent!

https://youtu.be/DQP0jgvpi6E

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Bill Viola

Hola a todos:

En esta entrada les quiero compartir un poco del trabajo de Bill Viola, uno de los artistas más influyentes en el videoarte. Para los que no ubiquen del todo el videoarte, es una forma de arte contemporáneo que utiliza el video como medio de expresión. No es cine o televisión, en realidad el videoarte usa imágenes en movimiento y sonido para provocar una experiencia estética pero no comunica mensajes en el sentido tradicional de la televisión, ni tampoco tiene una narrativa tradicional como el cine. Piensen más bien en secuencias de imágenes hilvanadas por una cierta temática. Si les interesa el tema les recomiendo que busquen la obra de Nam June Paik y del movimiento Fluxus que empezó a experimentar con el video  en los 60s,

Si no conocen la obra de Bill Viola, les recomiendo  The Passing (1991). Algunos dicen que es un video experimental, otros dicen que es documental y hay quienes le llaman videoinstalación. El punto con The Passing es que no se van a encontrar con una estructura tradicional, no esperen ver una película. Son secuencias de escenas en blanco y negro que buscan expresar un mismo concepto: el paso de la vida a la muerte. Viola hizo esta obra a manera de duelo por la muerte de su padre y la sensación de inminencia así como de amenaza se hace presente en cada escena.

Se los recomiendo mucho, es fácil de encontrar en El Péndulo y en Gandhi. En Internet sólo hay fragmentos muy cortos, de hecho, aquí les dejo un video de un par de minutos. Disculpen la calidad pero es una grabación de una proyección en Sicilia. Espero les agrade:

Manifesto

Hola a todos:

Les quiero recomendar una película que se llama Manifesto (Julian Rosefeldt, 2015).  La película es más una pieza de arte que una película convencional. Cate Blanchett es presentada como trece personajes en diferentes situaciones  y cada uno va declamando varios manifiestos artísticos, recuerdo el manifiesto del Dada, del surrealismo, del situacionismo y del pop art.  En lo particular me agradó mucho, sólo que el contenido de manifiestos a veces es difícil de seguir. Aquí les dejo el trailer:

FERNANDO BOTERO Y LA VISTA GORDA

Pareciera una crítica social a la epidemia de obesidad de la humanidad.

Comenta el artista que es únicamente una propuesta estética  de los volúmenes y curvas de las formas.

Sin duda, un estilo único que es además de original, ciertamente disruptivo.

Lo cierto, es que cualquier parecido con la vida real, no es mera coincidencia.

La tesis doctoral es perjudicial para la salud mental

No quiero convertir la clase en una terapia de grupo. Tampoco busco echarles a perder la Semana Santa, pero tomen en cuenta que...

“Hemos sido los primeros en estudiar a los doctorandos como un grupo aparte usando un tamaño de muestra adecuado y comparándolos con otros grupos de población altamente formados” [...]: en todos los casos el grupo de personas que estaban haciendo una tesis doctoral tenían con mucha más frecuencia signos de deterioro en su salud mental, llegando por ejemplo a afirmar el 32% de los estudiantes de doctorado que experimentaban al menos cuatro de los doce síntomas frente al 12%-15% de las personas pertenecientes a los grupos control.

Ver artículo completo  ➞  El País

Otro factor que puede influir en la salud del estudiante, en este caso tanto negativamente como positivamente, es el tipo de director de tesis que tienen: la salud mental de los doctorandos era mejor de lo normal cuando tenían un mentor cuyo liderazgo les inspiraba. Por el contrario, otros estilos de liderazgo eran neutros o en el caso de aquellos supervisores que se abstenían de dirigir o guiar al doctorando, un tipo de liderazgo laissez-faire, sus estudiantes tenían un 8% más de posibilidades de desarrollar sufrimiento psicológico.

Todo este trabajo realizado por la Universidad de Gante pone de manifiesto que incluso en países como Bélgica, donde las condiciones económicas son favorables, el propio desarrollo de una tesis doctoral expone a los estudiantes a situaciones tóxicas para su salud mental por encima de lo que es habitual en otros ambientes similares.

Art Renewal Center

Les comparto este link del Art Renewal Center, uno de mis sitios favoritos. Pueden encontrar imágenes de grandes autores y sus obras. Les sugiero mucho visitarlo. 

https://www.artrenewal.org/AboutUs/MissionStatement


The Art Renewal Center is devoted to the following principles and beliefs:

1. To promote a return of skill-based training, standards and excellence in the visual arts. The rich artistic heritage of 2,500 years of accumulated knowledge in creating traditional, realistic images touching upon universal and timeless themes.

2. To promote visual literacy in public and private school classrooms and to the public at large.

3. To unite the realist art movement into a synergistic community of like-minded organizations and individuals.

4. To provide responsible views opposing those of the Modernist art establishment when warranted, especially as expressed in aesthetic philosophy and to rebut the idea that development in art requires destruction of boundaries and standards or pointless emphasis on 'newness'.

5. To advance the understanding that great art begins with great themes, expressing them poetically through mastery of all aspects of technique.

6. To provide a forum for dialogue and exchange of expert information among educators, scholars, curators, collectors and artists.

7. To promote scholarship and research on the artists of the past and the rediscovery and preservation of their techniques and methods.

8. To create the largest reference database on the Internet for realistic art, including an on-line museum with thousands of high quality images of works by the greatest painters and sculptors in human history, alongside an encyclopedic online art reference library of historical texts, essays, biographies and articles, providing a technical and historical resource for artistic information.

Ahí encontré una de mis pinturas favoritas, del pintor francés William-Adolphe Bouguereau, del siglo XIX. Se titula "La Charité".

Funciones del arte

A propósito de una duda de clase, busqué algo sobre las funciones del arte. Me topé con estos términos en el blog http://terminosartisticos.blogspot.mx/2013/02/funciones-del-arte.html, que nos da una idea. ¿Qué funciones tiene para ti?

FUNCIONES DEL ARTE


ARTE FUNCIONAL. Cuando tiene una finalidad específica del uso al que va destinada una obra artística.
El arte puede cumplir diversas funciones, según la voluntad del propio artista o la interpretación que de la obra haga el público:

FUNCIÓN PRÁCTICA: Si tiene una finalidad de uso o disfrute, destinada a satisfacer necesidades, como es el caso de la arquitectura, el diseño, la artesanía y las artes aplicadas, decorativas e industriales.

FUNCIÓN ESTÉTICA, ORNAMENTAL o DECORATIVA: Busca provocar sentimientos o emociones, o bien suscitar belleza y admiración en el espectador.

FUNCIÓN DIDÁCTICA: Busca enseñar a través de imágenes o símbolos. En el Románico era imprescindible para que el mensaje cristiano llegara al fiel, el 95% de la sociedad medieval era analfabeta e iletrada (no sabían ni leer ni escribir).

FUNCIÓN SIMBÓLICA: Cuando pretende trascender su simple materialidad para ser un símbolo, una forma de expresión o comunicación, un lenguaje por el cual se expresa una idea que debe ser descifrable para el público al cual va dirigida, para lo cual autor y espectador deben conocer el lenguaje de antemano.

FUNCIÓN COMUNICATIVA: el arte es un medio de comunicación, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se recrean estados de ánimo. En este sentido, puede ser tanto crítico como propagandístico del mensaje que desea transmitir.

FUNCIÓN PROPAGANDÍSTICA: Cuando hace propaganda política, religiosa o social, para dar a conocer o convencer de una idea, generalmente política, mostrando sus cualidades y ventajas.

FUNCIÓN CRÍTICA: Cuando tiene una voluntad crítica, bien de tipo político, religioso o social, haciéndose eco de las reivindicaciones sociales de cada periodo histórico.

FUNCIÓN PROVOCATIVA. Cuando busca provocar una reacción o una respuesta en el espectador.

FUNCIÓN ECONÓMICA: El arte, como producto elaborado por el hombre, no deja de ser un objeto que puede estar motivado con fines económicos, bien en su concepción o bien en su posterior mercantilización.

FUNCIÓN IMITATIVA: El arte ha pretendido históricamente ser fiel reflejo de la realidad, al menos hasta la aparición de la fotografía y el cine en el siglo XX. Así, el arte ha sido un medio ideal para plasmar el mundo, la forma de vida de las diversas culturas y civilizaciones que se han sucedido a lo largo del tiempo.

FUNCIÓN REFLEXIVA. Favorece la reflexión, compasión u oración del espectador. Ej.: Los capiteles historiados de los claustros favorecían la oración de los monjes.

FUNCIÓN RELIGIOSA, RITUAL O MÁGICA.

Angelus Novus:dimensión política del arte en contra del fascismo

El cuadro de Klee, Angelus Novo de 1920, representa a un ángel que parece tener la intención de alejarse de algo que lo aterroriza o de tratar de entender el rumbo que retomará. Sus ojos y boca están abiertos de manera exagerada y sus alas están extendidas.
Éste es el aspecto del ángel de la historia que vuelve el rostro hacia el pasado en el que una serie de acontecimientos para el hombre, representan y describen una catástrofe para el ángel. Este ángel lucha por detenerse, despertar a los muertos y reparar lo destrozado. Pero desde el paraíso lo envuelve un huracán que sopla y envuelve sus alas para impedirle las vuelva a desplegar. Este huracán lleva al ángel de espaldas hacia un futuro tempestuoso que será la modernidad, sobre la que la sociedad ha construido una ilusión de progreso .

Esta interpretación que hace W. Benjamín sobre el cuadro de P. Klee en su lucha por criticar la violencia, la historia, la guerra y su intervención en el mundo cotidiano y la dimensión política del arte en contra del fascismo, y que adquiere. 

Entre las ruinas queda la religión como algo superado y sobre el cual el ser mítico quisiera regresar buscando la certeza de un orden que se imponga ante el caos.

El Ángelus Novus es en realidad, la metáfora de la secularización que separa lo religioso de la razón por un desinterés auténtico de la sociedad, lo tradicional de lo moderno y la decadencia de lo inedito, de la diferenciación de las esferas sociales, la privatización, la individualidad, del egoísmo, de la transposición de creencias y de los  nuevos modelos de pensamiento. Es la imagen de la sociedad moderna que se ha construido de sí misma, en el que se impone la razón ascendente sobre el mundo, en la tempestad las ciencias sociales intentan dar una explicación del despegue del vuelo para reencontrarse y alcanzar las promesas de un paraíso.

De esta manera, lo sagrado es superado por la modernidad, sin embargo, los acontecimientos en los que la religión es central va en contra de la idealización de un progreso lineal y secular por lo que tiene una nueva vida cuando se pensaba que era cosa del pasado, siendo un problema de los esquemas modernos de sociedad y no propiamente de la religión como tal.


1802-1940
https://youtu.be/mpWu0uIxFGU

Volver a Roma

Blog Arte, entrada # 6

Gabriela Monroy Yurrieta

Estética y Apreciación del Arte

Presentación del libro

“Volver a Roma”

Marzo 17, 2018

VOLVER A ROMA.

El jueves 15 de marzo en el Museo José María Velasco de la ciudad de Toluca se llevó a cabo la presentación del libro Volver a Roma de la autora Bertha Balestra. Los presentadores fueron: el editor del libro, el Lic. Ricardo Sánchez Riancho; la directora del museo, la Mtra. Irma Aguilar Garduño; el Dr. Roberto Sánchez Valencia, así como la propia autora.

          El libro sugiere a priori que alguien, un protagonista, ya tenía una historia importante vinculada con la Ciudad Eterna y que por alguna razón habría de regresar a ella.  Esta idea es reforzada por la portada del libro: una columna anudada de tal forma que, mediante los recursos del trazo circular y de la elipsis, el diseñador hizo coincidir la base de ésta con su propio capitel.  Lo anterior evoca la mítica figura del uroboros, es decir, la serpiente que se devora a sí misma, y que representada en forma de anillo en el que las fauces del reptil atrapan a su propia cola, queda engarzada de tal manera que resulta ambigua la delimitación del principio y del fin, por lo cual ha devenido el símbolo de los ciclos infinitos, del eterno retorno.

          Volver a Roma, narra tres historias entrelazadas y que la autora, con gran habilidad, genera suspenso en torno a sus personajes, además de entretejerlas en tiempo y espacio diversos, pero en donde las tres giran de una u otra forma en torno a la ciudad del Coliseo, de los foros, de las basílicas: Roma.

         En el libro, Bertha Balestra logra entablar con gran habilidad y originalidad los vínculos entre los tres personajes: Cleopatra y los romanos en torno a ella en los últimos años de la era precristiana, Clara Petacci y Benito Mussolini ubicada en la Segunda Guerra Mundial y los años previos a la conflagración. Y así mismo estos dos relatos terminan vinculándose con el personaje de Matilde, la seductora italiana caza fortunas y el político latinoamericano de nombre Artemio. Si bien las historias son independientes entre sí, al mismo tiempo están interconectadas por la misma pulsión: la del amor, y también, de manera casi inevitable por la traición.

        De modo magistral, El Dr. Sánchez Valencia comentó durante la presentación del libro que en la novela coexisten de forma armoniosa la ficción y la historia en donde ésta última, es el resultado de una esmerada documentación e investigación que la autora realizó para poder recrear la mayor parte de los escenarios que evoca, así como los eventos históricos que enmarcan cada una de las tres historias que se ofrecen de forma inteligentemente entrelazadas mediante una gran diversidad de recursos poéticos, literarios y psicológicos. Afirmando también que Bertha Balestra no se limita a exponer los datos que se conocen sobre estos personajes, sino que escudriña los móviles conscientes e inconscientes, materiales e intangibles, objetivos y subjetivos que animan a todos ellos, para lo cual no escatima en ofrecernos una gran cantidad de exquisitos detalles sobre los usos y costumbres de cada época.

       

      

        

        

         

        

Y para seguir en el "mood" Dada: Hagamos un poema Dadaísta

Para hacer un poema Dada:

1.- Tome un periódico
2.- Tome unas tijeras
3.- Escoja en el periódico un artículo de la longitud que quiera darle a su poema
4.- Recorte el artículo
5.- Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y
6.- Métalas a una bolsa
7.- Agítela suavemente
8.- Ahora saque cada recorte uno tras otro
9.- Copie concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa
10.- EL POEMA SE PARECERÁ A USTED
11.- Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida por el vulgo...

"Dada es la vida sin pantuflas" Algunos de los párrafos más irónicos del manifiesto Dada

La mayoría de las vanguardias artísticas tenían un manifiesto que respaldaba sus creencias y propuestas artísticas.

El movimiento Dada no se queda atrás redactando en 1918 el siguiente manifiesto, tan irónico como su postura "anti arte" y de burla al artista burgués. A continuación algunos párrafos redactados por el artista Tristan Tzara:

Manifiesto del Sr. Antipirina:

"Dada es nuestra intensidad: que erige las bayonetas sin consecuencia la cabeza del bebé alemán; Dada es la vida sin pantuflas ni paralelos; que está en contra y a favor de la unidad y decididamente contra el futuro; sabemos sensatamente que nuestros cerebros se convertirán en cojines blanduzcos, que nuestro antidogmatismo es tan exclusivista como el funcionario y que no somos libres y gritamos libertad; necesidad severa sin disciplina ni moral y escupamos sobre la humanidad."

"Dada permanece dentro de las debilidades europeas, es una cochinada como todas, pero de ahora en adelante queremos zurrarnos en diversos colores para ornar el jardín zoológico del arte de todas las banderas de los consulados"

" Nosotros somos directores de circo y chiflamos por entre los vientos de las ferias, por entre los conventos, prostituciones, teatros, realidades, sentimientos, restaurantes, uy, jojo, bang bang."

"Dada no es locura si sabiduría, ni irónica, mírame, gentil burgués..."

Para ver el manifiesto completo pueden entrar al siguiente link:

https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/02/manifiesto-dadaista-1918.pdf

Una amistad inusual

Salvador Dalí, pintor surrealista, le debía varios de sus triunfos artísticos a la persona de Marcel Duchamp.

“Duchamp apoyó a Dalí en distintos momentos de su vida”, explica William Jeffett, curador del Museo Dalí en St. Petersburg, Florida.

El apoyo y el lazo intelectual formado entre estos artistas fue sumamente criticado por aquellos que les conocían: Dalí, pintor egoísta, y con Duchamp, padre del arte conceptual. Sin embargo, forjaron una relación estrecha en la que el uno apoyaba al otro en todas sus elaboraciones y viceversa. 

No se sabe con exactitud cuándo y cómo se conocieron, se especula que fue alrededor de 1930 durante la premier de La Edad de Oro de Dalí. La amistad floreció de manera natural y hoy vemos fotografías tomadas en 1933 de los dos veraneando en España, acompañados por Gala, esposa de Dalí.

A pesar de la diferencia de edades, Duchamp y Dalí tenían varios intereses en común, como la filosofía, la religión, la ciencia y el lenguaje humorístico. 

De esta manera, se rompe con la idea de que ambos artistas eran seres egoístas e interesados únicamente en ganar terreno en el mundo del arte; estos artistas sentían verdadero afecto el uno por el otro. 

México en Inkonicity

El arquitecto italiano Federico Babina, ha realizado una serie de "iconos" de ciudades famosas utilizando trazos simples, pero bien atinados, creo. La idea es que a través de líneas y figuras geométricas podamos identificar la esencia de las ciudades. Qué les parece el de México?

En este video, inkonicity toma vida a través del sonido y la obra de Babina:

Loving Vincent

La era digital le ha dado al cine animado una revaloración estilística no solo en su contenido sino en su proceso de producción y en su estética.

La polaca Dorota Kobiela y el británico Hugh Welchman dirigen la primer película pintada al óleo con 65 000 cuadros elaborados por 125 pintores que le da un carácter épico a la historia en su intento de mimetizar y replicar el trazo de Van Gogh en movimiento mediante la técnica llamada rotoscopia (rodaje en actores reales para servir de base para el resultado de animación final) misma que se impone con fuerza ante una pensada imposibilidad de realización.

La película expone una investigación post-moderna en cuya esencia destaca la capacidad de asombro del artista ante la belleza cotidiana del mundo y el sacrificio existencial de Theo, hermano de Vincent, quien busca su protección

La construcción delicada de todo un universo mediante la pintura y la lucidez para interpretar la potencialidad de movimiento y de variación de ángulos que maneja Van Gogh hacen de esta cinta una obra titánica de arte.














https://www.youtube.com/watch?v=pL930GaZcwM

http://www.megamovie.top/movie/339877/loving-vincent

Miedo

Y aquí hay que ir acompañado....

 

 

Museo

Si tienen tiempo y ganas de ir al centro, este museo vale la pena.

 

 

 

 

Movimiento literario cyberpunk

"A la estetización de la tecnología solo podemos responder con una politización tecnológica del arte, con una literatura que engendre distopías sobre los modos económicos de producción del presente". Qué opinan?Artículo completo sobre el nuevo cyberpunk latino que busca surgir de las ruinas de lo real: http://www.latinamericanliteraturetoday.org/es/2018/febrero/dejando-atrás-las-ruinas-de-lo-real-tras-las-huellas-digitales-del-cyberpunk

Oficio de los Macehuales

Blog Arte, entrada # 5

Gabriela Monroy Yurrieta

Estética y Apreciación del Arte

Museo de las Nacional de

Las Intervenciones

Marzo 12, 2018

El museo Nacional de las Intervenciones está localizado en lo que fue el Convento de Nuestra Señora de los Ángeles de Churubusco, conocido de manera coloquial como “exconvento de Churubusco" y su construcción data del siglo xvi.  

        La temática de este museo hace referencia a las invasiones o intervenciones de las que fue objeto nuestro país después de que se firmara el Acta de Independencia el 28 de septiembre de 1821.  Las invasiones que se reseñan en  las diferentes salas del museo son las que tuvieron lugar en los siglos xix y xx por España, Francia y Estados Unidos. Asimismo, durante la invasión estadounidense a la ciudad de México en junio de 1847, el Convento fue escenario de la batalla de Churubusco el 20 de agosto del mismo año. Esto se debió a que el edificio conventual era idóneo por su ubicación, fortaleza y solidez estructural, sirviendo así de bastión de resistencia frente al ejército enemigo. Por desgracia el Ejército Mexicano comandado por los generales Pedro María Anaya y Manuel Rincón y apoyados por los soldados irlandeses del Batallón de San Patricio, fue vencido y tuvo que rendirse, entregando el sitio al general David E. Twigs en la fecha mencionada.

         Lo que más llamó mi atención de este museo fue la exposición temporal “Churubusco prehispánico. Señorío de Huitzilopochco”, que hace referencia al lugar donde se encuentra ubicado el exconvento, esto es, al sur del valle de México en donde los nativos de la zona tenían un espacio del culto dedicado a Huitzilopochtli, su deidad más importante. Esta exposición cuenta con diferentes objetos prehispánicos, así como esculturas, láminas explicativas de las actividades de las diferentes clases sociales, esquemas de los diferentes códices y líneas de tiempo que nos permiten adentrarnos en lo que fue la civilización Azteca.

         Huitzilopchco fue uno de los cuatro altépetl Imperio Mexica, que se erigió como un señorío satélite y tributario de México-Tenochtitlan, siendo uno de sus principales territorios religiosos, políticos y administrativos, convirtiéndose en parte importante de su geopolítica, y prueba de ello fueron las relaciones en lo mítico-religioso, lo militar y el uso de contactos comerciales con las regiones más lejanas del imperio.

         De esta manara, Huitzilopochco, lugar de Huitzilopochtli, dios de la guerra de los aztecas, hace referencia a los atributos de este dios como señor guerrero benevolente con quienes le rendían culto, pero fiero y bravo con los enemigos de su pueblo, como la serpiente o Xihucóatl que sostenía en una de sus manos.  Más tarde, con la conquista española, Huitzilopochco cambió su nombre por el de Churubusco.

        Respecto a la serpiente, la exposición cuenta con una hermosa escultura de roca metamórfica, perteneciente al posclásico tardío (1350-1519), tallada con gran maestría. En la pieza se pueden apreciar dos tonos diferentes en la piedra, básicamente en la cabeza y el cuerpo. Esto se debe a que las partes estuvieron separadas: una, la cabeza, en la bodega del Museo Nacional de Antropología y la otra, el cuerpo en el Museo de la Escultura Mexicana. En 2008 se identificaron los fragmentos para finalmente unirse.

         Aunque la Xihucóatl (serpiente de fuego) no fue considerada una divinidad, su culto estuvo relacionado a diferentes conceptos y dioses del panteón azteca, vinculada con la tierra lo que implica un estrecho lazo con la fertilidad y la sexualidad, así como con las actividades agrícolas.  También por su relación con la fecundidad se le asociaba con el agua y los dioses de ésta: Tláloc y Chalchiutlicue.  Asimismo, su nombre, cóatl, se encuentra en diferentes dioses: Coatlicue, madre de Huitzilopochtli; Cihuacóatl, divinidad que representa a las mujeres muertas en el parto; y, finalmente, Quetzalcóatl, dios creador que otorgó al hombre los dones para la supervivencia.

         El Museo Nacional de las Intervenciones es un lugar que, además de contar con un moderno discurso museográfico que tiene que ver con las intervenciones sufridas por México en los siglos xix y xx, es un espacio que nos permite conocer la historia de nuestro país a través de sus diferentes salas, exposiciones temporales, conciertos dominicales y tradiciones como “el altar de Dolores y la Semana Santa en el diario de Madame Calderón de la Barca”.  Es un museo que vale la pena visitar y disfrutar.